Num dos planos de Die Donau Rauf, vemos uma criança a esgravatar e a reconstituir um pequeno monte de ossadas que retira da terra. O plano, um dos mais belos da sua vasta filmografia, concentra um dos temas mais importantes da sua obra, o da sedimentação e revelação do passado no presente e a importância da sua preservação. O filme é uma viagem pelo Danúbio e é um dos seus filmes sobre as histórias que a água conta, sobre o trabalho daqueles que vivem do rio e acerca da sua importância histórica e social.
Na década de 70, Peter Nestler realizou, em colaboração com Zsóka Nestler, uma série de filmes educativos para a televisão sueca sobre o modo como se produzem e fabricam as coisas (os tecidos, o vidro, o papel, um órgão de música, sobre a produção metalúrgica). Para além de filmar a "biografia dos objectos", estes documentários de Peter e Zsóka Nestler, como Wie Macht Man Glas (Handwerklich) e o segundo episódio dedicado às técnicas industriais de produção do vidro, mostram de modo exemplar que, para conhecermos um objecto, é fundamental conhecer a história do seu fabrico ao longo dos tempos, perceber a técnica e todas as complexidades que presidem à produção do seu valor.
O filme de Jean-Daniel Pollet é um testemunho "para memória" das técnicas e dos gestos de produção numa antiga forja, nos seus últimos dias de actividade. São dois dias numa forja aberta em 1876. O filme é uma última homenagem ao trabalho ancestral dos operários que falam dos seus gestos que repetiram durante anos e sobre uma actividade em vias de desaparecer. Seguimos passo a passo cada uma das fases de fabrico de um objecto: do molde em areia na manhã até ao objecto final à tarde, sem ignorar o momento belo e solene quando a fonte incandescente preenche o molde, expandindo-se.

duração da sessão: 112 minutos

A sessão reúne filmes diferentes sob a ideia do excesso e restos da produção: fagulhas, limalha, poeiras, energia dispendida. O filme produzido pela Gaumont em 1910 é um dos primeiros documentos conhecidos sobre a produção do aço e pretende representar a intensidade da produção através de imagens do fogo pintadas à mão. O filme de Richard Serra faz parte de uma série de filmes sobre os gestos do trabalho e os materiais de produção (uma reflexão paralela à própria prática de Serra como escultor) – neste filme quatro mãos limpam e raspam limalhas de metal até não ficar nada no chão. A imagem reduz-se a uma acção sequencial em que cada vez mais energia é dispendida para levar a cabo aquilo que parece exigir menos esforço. O documentário de Franju, POUSSIÈRES, foi uma encomenda do Instituto Nacional de Pesquisa sobre a Segurança com o propósito de treinar os trabalhadores na protecção contra o pó industrial, responsável por inúmeras doenças no trabalho.
Richard Serra e a historiadora de arte Clara Weyergraf rodaram STEELMILL / STAHLWERK em Heinrichhütte em Hattingen, onde Serra costumava fabricar as suas esculturas em ferro, até ao fim deste projecto, em 1987. Um filme silencioso, impressionante (que cita directamente ENTUSIASMO de Dziga Vertov) e que justapõe as forças da maquinaria violenta e a escala humana, mostrando o imenso esforço físico dos trabalhadores metalúrgicos. WINTER SOLSTICE é um dos filmes que compõem o ciclo inacabado “Magellan” de Hollis Frampton e é um exercício de montagem a partir de imagens captadas numa fábrica de aço no Milwaukee. Uma citação directa dos filmes de Eisenstein e Vertov, bem como da obra de pintores abstractos como Frank Stella ou Rothko, o filme de Frampton capta o trabalho do metal como uma explosão de energia, focando-se sobretudo nas imagens do fogo, das partículas soltas da produção.

duração da sessão: 93 minutos

Quatro filmes reunidos sob a ideia da relação com o passado, com a força primordial das coisas inexplicáveis e que resistem à erosão, entre a noite e o dia. LANDSCAPE FOR FIRE foi o primeiro filme de Anthony McCall e é o registo de uma das suas acções no exterior, filmando a precipitação de pequenos fogos nocturnos dentro de uma superfície geométrica, com uma atenção particular dada ao som.
O filme de Duras é um travelling pelas ruas de Paris ao raiar do dia e é uma declaração de amor por todos aqueles que foram esquecidos e deixados para trás – dirige-se aos trabalhadores imigrantes, aos que não têm abrigo, à população clandestina de uma cidade que ainda dorme, com os seus monumentos e edifícios históricos. O filme de Raymonde Carasco e Régis Hebraud, é parte do fresco Taharumaras e filma a preparação das encenações da Paixão na aldeia de Norogachic no México, alternando as sequências nocturnas, a preto e branco, com as sequências a cores das pinturas corporais e das danças diurnas, acompanhadas pela leitura de um texto de Antonin Artaud.
“Na Primavera de 1958, na região petrolífera do Khuzistão, no coração da indústria petrolífera iraniana e da civilização persa, um poço de gás explode durante uma perfuração. A fonte é inesgotável, o fogo potente, indestrutível e gigantesco. É um dragão. Em todo o caso é assim que aparece em ‘UM FOGO’. Este documentário, filmado com uma Bolex de 16mm, na urgência do acontecimento, é de facto bem mais do que a narrativa da catástrofe. A força do filme deve-se aos seus encontros bastante contrastados e no entanto tão próximos, entre o real e o imaginário, o dia e a noite, infinitamente grande e infinitamente pequeno, entre o ranger do metal, o estertor surdo do fogo e o canto dos homens, o que é selvagem e o que está domado, o seco e o fértil. Um Fogo recompõe a comunidade humana, a potência ancestral dos astros, uma terra por vir” (Stéfani de Loppinot sobre YEK ATASH).

duração da sessão: 74 minutos

O primeiro curto documentário da sessão apresenta imagens das obras de Robert Smithson (POURS) que envolveram o despejo de substâncias viscosas como cola, asfalto e cimento em diversos locais. Um comentário de Smithson ajuda a perceber o seu objectivo ao fazer estes trabalhos, clarificando o seu interesse geral pela entropia, pelo tempo geológico, pela anti-forma, pelo uso de materiais industriais e em retirar a obra de arte do espaço da galeria confrontando-a com a oposição exterior.
Thom Andersen escreveu acerca de STUDIEN ZUM UNTERGANG DES ABENDLANDS: “O último flicker de Wyborny concentra-se em fábricas, aterros industriais, vias fluviais, paisagens urbanas e nos espaços entre eles, e possui uma ressonância emocional estranha. É ‘sereno, à maneira das formigas’ – para citar o título da segunda secção –, mas também é elegíaco e melancólico. Tal como dois outros teimosos (Godard e Straub), o realizador permanece fiel às suas ideias sobre a composição fílmica, geradas ao longo de muitos anos, dando-nos um vislumbre de um cinema utópico.”
No filme musical de Wyborny, um dos mais importantes cineastas experimentais a trabalhar na Alemanha, cada som transporta consigo uma nova imagem: são ao todo 6299 planos montados directamente na câmara em Super-8. Uma viagem intoxicante e estroboscópica pelas paisagens industriais, naturais e urbanas da África Oriental, Nova Iorque, da região do Ruhr e por Rimini. O filme refere-se à obra filosófica escrita em 1918 por Oswald Spengler.

duração da sessão: 92 minutos

Em COREOPSIS, Pat O’Neill faz um filme abstracto, demonstrando a sua mestria na manipulação das imagens – para este breve trabalho abstracto, riscou directamente na película e trabalhou o efeito da sua intervenção, num verdadeiro filme “manual”, , inspirado por uma memória de família.. Hartmut Bitomsky escreveu acerca PÓ: “Uma partícula de pó é apenas perceptível a olho nu. É o tema mais pequeno acerca do qual se pode fazer um filme – é um meio de desaparecimento e um critério de percepção. Onde quer que vamos, leva-nos a melhor; para onde quer que seja que nos viremos, segue-nos. É o nosso passado, o nosso presente e o nosso futuro. É universal e tem um nome em todas as línguas (…). Aninha-se no desespero da sua própria existência.”
Ao examinar muitos tipos de pó, incluindo partículas microscópicas invisíveis a olho nu, PÓ ausculta uma variedade de cientistas – botânicos, biólogos, meteorologistas e astrónomos – que investigam as consequências sanitárias e ambientais do pó, desde as tempestades de areia do Sahara à dust bowl dos anos 30 no Oklahoma, ao pó tóxico gerado na demolição das torres do World Trade Centre. Os aspectos fenomenológicos, filosóficos e mesmo artísticos da cultura do pó são explorados em entrevistas com artistas e coleccionadores.

duração da sessão: 96 minutos

WASSER UND WOGEN é um filme-compilação sobre a formação do “ciclo da água” e sobre diversas características e facetas desse elemento. O realizador austríaco Albrecht V. Blum via-se sobretudo como um montador, que organizava material documental pré-existente em novos contextos. Esta obra-prima contribuiu para o desenvolvimento do filme-compilação e constitui uma perspectiva poética sobre o tema da água. “Talvez o mais oportuno e essencial filme de vanguarda dos anos recentes, o tour-de-force silencioso de Peter Hutton, AT SEA, segue o nascimento, a vida e a morte de um barco de mercadorias. Baixando significativamente o custo do comércio internacional, o “contentor” tem sido um instrumento vital para a constituição das redes correntes do capitalismo global. (…) Tal como nas fotografias de Allan Sekula, o filme de Hutton regista a tensão entre as abordagens romântica e funcionalista ao barco de mercadorias. Tendo trabalhado na marinha mercante na sua juventude, Hutton é sensível ao romance da viagem oceânica e à sublimidade do mar, uma resposta estética com raízes literárias e visuais profundas.  Mas quando a câmara olha para o arco chuvoso do barco, as inúmeras pilhas de contentores com cores fortes sublinham que o propósito da viagem é a circulação de bens de consumo e não de humanos e da sua imaginação.
(…) Quando tudo o que tem valor tiver sido removido, os barcos são abandonados como as carcaças das baleias, fósseis enferrujados envelhecidos prematuramente pelas necessidades flutuantes do capital” (Brian Rajski, Retentional Finitude).

duração da sessão: 71 minutos

Estes três filmes colocam em acção formas particulares de crítica e paródia dos hábitos de consumo e do seu excesso. IN QUEST OF MEAT JOY parte da performance homónima de Carolee Schneemann, descrito pela artista como um “Teatro do contacto físico”. Gordon Matta-Clark desenvolve com humor em FRESH KILL o seu interesse pela matéria e pelos dejectos da produção, encenando a destruição do seu carro num confronto épico: “Gordon propôs um filme que replicava os filmes antigos de monstros em que dinossauros batalhavam com Godzilla até à morte. O filme acontece numa lixeira em Fresh Kills na Ilha de Staten e mostra uma batalha até à morte entre o camião de Gordon, chamado Herman Meydag e, não uma, mas duas retroescavadoras” (Jane Crawford). Ron Rice é uma das personalidades mais fulgurantes do cinema underground norte-americano da década de 60 e os poucos filmes que realizou são celebrações anárquicas e subversivas, paródicas e elegíacas, entre a poesia Beat e o hedonismo psicadélico.
THE QUEEN OF SHEBA MEETS THE ATOM MAN foi descrito por Alberto Moravia do seguinte modo: “o filme descreve, poeticamente, uma forma de vida. O filme é um protesto que é violento, infantil e sincero – um protesto contra um mundo industrial baseado no ciclo de produção e consumo.” As deambulações de Taylor Mead e Winifred Bryan por uma Nova Iorque crepuscular (com uma visita à mítica exposição The Future e aos seus protótipos que pretendiam mostrar “A Energia Atómica em Acção”), os seus jogos, a interacção com os outros participantes no filme (com Jack Smith, por exemplo) a forma como todos os objectos parecem desafiar o seu uso, numa poesia muito particular dos objectos e das relações humanas, tornam o filme inesquecível. O filme foi deixado inacabado por Ron Rice e terminado por Taylor Mead.

duração da sessão: 99 minutos

Ernie Gehr é um dos mais importantes cineastas norte-americanos e a cidade tem um papel fundamental nos seus filmes. Nestes dois títulos a ideia de resíduo surge de forma diversa – no primeiro, o realizador retrabalha um filme seu realizado na década de 60, explorando a tensão entre a imagem fixa e em movimento, a possibilidade de se aproximar da matéria do filme e a intensidade expressiva da representação (uma demolição que estando em segundo plano, parece funcionar como câmara de eco para as intervenções no filme); no segundo explorando a história como remanescente, no seu primeiro filme realizado na Europa, na sua primeira viagem a Berlim, num filme que marcaria uma mudança significativa na sua obra.
Michael Snow escreveu sobre REVERBERATION: “A relação entre o som e a imagem é uma das mais intensas que já experimentei (…). Alude-se à equação entre tom e luz através de transformações constantes. Movimentos. Os movimentos tornam-se mais lentos, solenes e no entanto o filme tem um belo ‘senão’: vemos e ouvimos os átomos revoltos por baixo das imagens das ruas, dos prédios, das pessoas.” SIGNAL – GERMANY ON THE AIR é o filme de um reconhecimento, uma tentativa para perceber a estrutura mental da organização de uma cidade na sua relação com os resíduos do seu passado. “Em Signal-Germany on the Air” é a história que ‘está no ar’, atrás da máscara de cada rosto, cada fachada, cada sinal na rua” (Daniel Eisenberg).

duração da sessão: 57 minutos

Realizado por um dos principais documentaristas japoneses, Tsuchimoto Noriaki, SHIRANUI KAI é um dos vários filmes que realizou ao longo de 35 anos, explorando as consequências dos desastres ambientais, sobretudo aqueles associados com a doença de Minamata, resultante do despejo de mercúrio no mar de Shiranui no Sudoeste do Japão. Os filmes de Tsuchimoto tiveram um papal crucial na visibilidade dos efeitos a longo prazo do envenenamento por mercúrio, exigindo a responsabilização das empresas envolvidas. SHIRANUI KAI é o retrato de uma comunidade e uma região que vive (muitas vezes em negação) sob as consequências horrendas da negligência industrial. A relação de Tsuchimoto com as pessoas que filma, a elegância do seu olhar e a relevância contínua da questão, fazem deste filme uma obra-prima de cinema não-ficcional.

duração da sessão: 153 minutos

“UIT HET RIJK DER KRISTALLEN é um filme de microcinematografia que mostra diversas substâncias químicas a transformar-se em cristais brilhantes. Em 1929, respondendo a um convite de Abel Gance, foi mostrado num cinema de vanguarda em Paris, onde foi referido como o último grito em cinema puro” (Malin Wahlberg).
CORNOUAILLES foi o último filme de Pierre Perrault e constitui uma coda à sua obra, um retrato do seu país a partir das convenções do filme sobre a natureza e os animais, num retrato da paisagem gelada do norte do Canadá e da vida e hábitos do boi almiscarado. “O filme começa com um espantoso plano longo da grande vastidão branca de neve varrida pelo vento e pontuada de formações rochosas negras. Nesta vastidão um boi almiscarado percorre o seu caminho despreocupado para se juntar a outro animal. O comentário serve de correcção ao primeiro filme [o filme anterior realizado por Perrault na mesma zona]: ‘Para percebermos melhor o boi almiscarado, talvez tenhamos de conhecer primeiro o glaciar, esse imenso sarcófago de todos os nossos passados.’ A câmara afasta-se para revelar a parede de gelo que é a última fronteira do território do animal.
É perante esse exemplo assombroso de mineralidade, está o gigante, ameaçador, ‘enigmático boi almiscarado’ na sua terra natal “ao sul do gelo e ao norte da neve” (David Clandfield).

duração da sessão: 64 minutos

Sobre imagens e fotografias de imóveis e objectos específicos da paisagem urbana e sem qualquer presença humana, em CONTRE-COURANT, uma voz fala-nos da procura de uma coisa que desconhece e que se esconde da vista de todos em Paris. O filme parte do desaparecimento do rio Bièvre para falar dos problemas de poluição dos cursos de água e dos subúrbios parisienses. MEMO MORI é uma viagem através da zona londrina de Hackney acompanhada pela leitura de textos de Ian Sinclair, uma montagem de fragmentos filmados ao longo dos últimos três anos e em que cada secção é uma observação de algo que foi ou vai ser erradicado da paisagem. Sobre ele escreveu Yann Lardeau: “três estratos históricos, três exemplos de uma revolução industrial passada. Nada nestes lugares é realmente antigo, mas todos reflectem a era industrial da cidade, uma parte da história de Londres, que sem eles, cairia no esquecimento.”
Os ensaios cinematográficos de Patrick Keiller, LONDON, ROBINSON IN SPACE e o recente ROBINSON IN RUINS, desenham um mapa não-linear da evolução história e política da cidade de Londres e do Reino Unido em geral. O extraordinário retrato que Keiller faz de Londres reimagina a cidade através das explorações do “investigador” Robinson, que nunca vemos, e do seu igualmente invisível companheiro, o narrador do filme (Paul Scofield), “tentando conjugar duas linhagens de pensamento crítico: por um lado, a literatura urbana de Poe, Baudelaire, Louis Aragon, Walter Benjamin, entre outros; por outro lado, as visões diversas do declínio do capitalismo inglês, em particular a ideia de que a Inglaterra é uma economia em decadência e atrasada por nunca ter tido uma revolução burguesa de sucesso” (Patrick Keiller).

duração da sessão: 118 minutos